Nebraska (2013)

"Oh, They're over in the Catholic cemetery. Catholics wouldn't be caught dead around all these damn Lutherans."

Nebraska, es una película de los EE.UU. rodada en blanco y negro, dirigida por Alexander Payne, producida por Albert Berger y Ron Yerxa, escrito por Bob Nelson, y protagonizada por Bruce Dern, Will Forte, June Squibb, Stacy Keach y Bob Odenkirk.

Nebraska es un film, sobre el amor familiar, y más específicamente entre un padre, en este caso Woody Grant (Bruce Dern) un ex veterano de la Guerra de Corea, alcohólico y que ahora sufre de demencia senil y su hijo David Grant (Will Forte); Woody cree que ganó un premio, y empecinado decide iniciar su viaje, el cual su hijo lo acompaña para demostrarle que todo es una farsa; hacia Lincoln Nebraska para cobrarlo, sin embargo debido a un accidente deben hacer una parada en la ciudad natal de Woody: Hawthorne (también situada en Nebraska); iniciando así otro viaje, pero esta vez hacía el pasado de Woody, un pasado agri agridulce, lleno de momentos agradables y de otros no; así como de personajes que muestran la peor cara del ser humano en donde el egoísmo, la avaricia y la mezquindad están presentes en varios de los personajes de la película , un viaje espiritual y emocional; en donde se muestran pasajes solitarios y calles vacías, cargadas de emotivas vivencias y de recuerdos expuestos como comedia, pero con alma dramática. Así mismo, ambos viajes se pueden interpretar como un replanteamiento del “sueño americano”, en donde Woody viaja hacia una ciudad en busca de un premio que le permitiría tener una vida mejor, pero este debido a su estado no sabe cómo empezarlo, sólo sabe hacia dónde debe de dirigirse.

Una película intensa, en donde se plantean varios temas, como los personales, familiares, sociales, etc. Una película donde desfilan varios personajes que escapan del “gringo promedio”, una película en donde se muestran familias dispares (atípica del cine de los EE.UU.), un road movie en donde los automóviles no son el medio de transporte; sino la memoria, los recuerdos y sobre toda la esperanza; sin duda Payne supo cómo abordar varios temas de una forma espléndida en poco menos de dos horas, pero creo que no hubiese podido sin la ayuda de dos personas, primero a Phedon Papamichael como director de fotografía que logró bellas postales que son visibles a lo largo de la película, y sin Mark Orton el encargado de la música, que le dio el toque rural al film. Quizás no sea la mejor película del 2013, empero, si es una de las emotivas, que cumple con su función, que es la del acercamiento familiar.

Kaze Tachinu (2013)

Kaze Tachinu (風立ちぬ) traducida como “Se Levanta el Viento” en América Latina y “El Viento se Levanta” en España, es un película animada japonesa, dirigida y escrita Hayao Miyazaki, producida por Yōji Takeshi, basada en la novela corta Se levanta el viento de Tatsuo Hori y en el manga homónimo de Hayao Miyazaki, la película se realizó en los estudios Ghibli, siendo esta la última película del genial Miyazaki, pues ya anunció su retiro.

Creo que muchos amantes del séptimo arte, saben que si se trata una película de los estudios Ghibli y que además está dirigida por Miyazaki, no hay pierde, pues a lo largo de 35 años este director ha sabido plasmar verdaderas obras artes en la pantalla grande, títulos como “Mi Vecino Totoro”, “Mononoke Hime” o “El Viaje de Chihiro” hablan por sí sólo de la calidad de este cineasta; y su última obra “Kaze Tachinu” no es la excepción; la película es la historia de Jirō Horikoshi (cuyo seiyuu es Hideaki Anno, creador de Neon Genesis Evangelion) un ingeniero aeronáutico japonés, cuya pasión es fabricar aviones, sin embargo debido al estado de guerra que vive su país, se dedica a fabricar aviones de guerra para las Fuerzas Armadas del Japón.

Ambientada en años antes de la Segunda Guerra Mundial, nos muestra la historia de Jirō Horikoshi, un apasionado de los aviones, que pronto se convertirá en uno de los ingenieros aeronáuticos más importantes del Japón, que en un futuro se encargaría de diseñar los aviones caza que fueron utilizados por la Armada japonesa para bombardear la base Pearl Harbor de los EE.UU.; Miyzaki logra recrear una época dura para la historia de la humanidad y Japón, tal como ya lo había presentado su compañero Isao Takahata en la maravillosa “La Tumba de las Luciérnagas” ; pero esta creo yo de una u otra forma es una película más “optimista”, puesto predomina el anhelo de Jirō de convertirse en un gran diseñador de aeronaves a pesar de las adversidades que se le presentan.

La película tiene una realización sobresaliente, re confirmando la calidad de los estudios Ghibili, además de contar con una historia que te atrapa, sobre todo si eres un amante de la historia, así como de tener como sub trama al amor entre Jirō y Naoko Satomi, que a pesar de la adversidad (la enfermedad de ella) logra prevalecer, y sin contar con las escenas oníricas entre Jirō y el ingeniero aeronáutico italiano Giovanni Battista Caproni, que le dan el toque real maravilloso a este filme. Sin duda una despedida apoteósica del gran Miyazaki.

Nymphomaniac (Volume I & II) (2013)

Nymphomaniac (NYMPH()MANIAC) es una película dirigida y escrita por el danés Lars von Trier, producido por Marie Cecilie Gade y Louise Vesth; protagonizada por Charlotte Gainsbourg, Stellan Skarsgård, Stacy Martin, Shia LaBeouf y Christian Slater, además también participan Uma Thurman, Sophie Kennedy Clark, Connie Nielsen, Hugo Speer, Jamie Bell, Willem Dafoe y Mia Goth entre otros. La película fue estrenada en dos partes (Nymphomaniac Volume I & Nymphomaniac Volume II) y es la última entrega de la “Depression Trilogy”, que es conformada por las películas "Antichrist" (2009) y "Melancholia" (2011), ambas también están protagonizadas por Charlotte Gainsbourg.

Aprendiendo trigonometría

El trama, es como Joe (Charlotte Gainsbourg) cuenta sobre su vida y su ninfomanía a Seligman (Stellan Skarsgård), después de que este la encuentre en un callejón golpeada y tirada en la pista, y le brinde ayuda, para luego empezar una charla interesante entre ambos personajes, en donde Joe narra momentos de si vida, mientras que Seligman las escucha, y hace comparaciones de varios índoles (científicos, filosóficos, musicales, literarios, teológicos, matemáticos históricos etc), durante esta charla van desfilando personajes variopintos que van agregándole peso a la historia.

Es una película típica de Lars von Tier, cruda, oscura, transgresora y sobre todo polémica, pero al mismo profunda, llena de detalles que obliga al espectador a estar atento, y de forma inconsciente, el director te trasmite conocimientos en diversas materias; es una historia en donde el sexo no es un placer, todo lo contrario es sinónimo de dolor y pena, es una cruz con la cual Joe debe de cargar; sin bien es cierto el elemento sexual está presente en este film, no es más que un elemento distractor, lo más importante (creo yo) es el sufrimiento de Joe, que está presente en cada pasaje de la película.

Como siempre Lars von Tier, se muestra provocador, en su film, desde el inicio con la frase “a los 2 años descubrí mi coño” o las escena en donde el padre de Joe (Christian Slater) fallece y Joe tiene un orgasmo, es a mi opinión la película más cruda y desafiante en la exquisita filmografía de Lars von Thier, con una historia llena de imágenes fuertes, pero al mismo tiempo nos muestran estampas que estoy seguro que formaran parte de la historia del cine.

La Vie d'Adèle – Chapitres 1 & 2 (2013)

"Il n'est pas le problème. Il me manque quelque chose. Je suis tout foiré. Je suis fou."

La Vie d'Adèle – Chapitres 1 & 2 (o si prefieren su título oficial en inglés Blue Is the Warmest Colour) es un película francesa dirigida y producida por Abdellatif Kechiche, escrita por Julie Maroh, basada en la novela gráfica de la misma Maroh titulada “Le Bleu est une Couleur Chaude” (de allí el título en inglés) , está protagonizada por Adèle Exarchopoulos y Léa Seydoux; está película ganó La Palma de Oro, en el festival de Cannes del 2014.

La Vie d'Adèle, relata el amor lésbico entre Adèle (Adèle Exarchopoulos) y Emma (Léa Seydoux), la primera es (o empieza siendo) una estudiante de preparatoria, mientras que la segunda es una estudiante de bellas artes, empezando así una relación lésbica, prohibida, llena de tabús, entre ambos personajes, vemos como este amor evoluciona desde una aventura de una noche loca de pasión hasta el desenlace del mismo con los personajes ya adultos, así mismo vemos como Adèle evoluciona como personaje, como crece, y como va buscando ese “yo interno” que es lo que ella siempre ha buscado.

Una película plasmada de una forma maravillosa, por Abdellatif Kechiche, si bien es cierto aún no he leído la novela gráfica (estoy en proceso); puedo afirmar que la historia me atrapó, y no necesariamente por las escena de sexo lésbico, y eso es debido a la forma de cómo está plasmada, en donde la metáfora del color azul está presente en toda la vida de Adèle, pues que el color de Emma es azul, y así mismo durante el film vemos como ese color está presente, hasta convertirse en el símbolo de la madurez de nuestra protagonista, es decir no se trata de la película cliché lésbica pro derechos LGTB, es una película que habla de la madurez y de la búsqueda dela identidad personal, sobre los estereotipos que la sociedad nos impone.